Dans L’homme de Rio, le séjour brésilien d’Adrien et d’Agnès se finit par la découverte de la destruction de la forêt amazonienne. Dans le dernier plan de la séquence, un groupe d’indigènes est, littéralement, mis de côté. La déforestation et le déplacement des populations indigènes sont toujours d’actualité soixante ans plus tard. En 1997, Timber, un superbe clip de Coldcut et Hexstatic, dénonce l’exploitation des forêts tropicales.

Avant Tom Cruise qui se passe de doublure pour les scènes les plus périlleuses des films Mission impossible, il y avait Jean-Paul Belmondo qui tenait à effectuer lui-même ses cascades. L’homme de Rio est le premier film où « Bebel » accomplit des cascades dangereuses sans filet. Parmi les spectateurs impressionnés par ses exploits : Jackie Chan, le roi hongkongais de la cascade. À l’occasion de la disparition de Belmondo en 2021, une vidéo du Parisien rendait hommage à l’acteur-cascadeur.

Dans un entretien avec la télévision belge à l’occasion de la promotion de L’homme de Rio, Belmondo revient sur les cascades du film.

Née en 1978, Céline Sciamma est diplômée de la FEMIS, une célèbre école de cinéma à Paris. 

Pixivore te présente ici les principaux films qu’elle a réalisés et/ou scénarisés depuis sa sortie de l’école. Et qui tous ont rencontré un large succès !

2007. Son premier long-métrage, Naissance des pieuvres, aborde le désir naissant entre deux adolescentes. Il est sélectionné dans plusieurs festivals renommés et marque le début d’une carrière singulière pour la réalisatrice.

2011. Quatre ans après son premier long-métrage, elle réalise Tomboy, également repéré et primé. Le film est présent dans la filmothèque de pixivore et fait l’objet de plusieurs articles. 

2014. Céline Sciamma réalise son troisième long-métrage, Bande de filles, qui raconte la vie de Marieme, ballotée entre respect des interdits et désir de liberté avec sa nouvelle bande de copines. Un film dans lequel elle aborde donc à nouveau l’adolescence et la recherche d’identité.

Pour Bandes de filles, Céline Sciamma a fait le choix de ne tourner qu’avec des jeunes filles noires, largement sous-représentées dans le cinéma français. Sélectionné dans de nombreux festivals – comme tous ses films – il remporte l’adhésion d’une partie du public mais Céline Sciamma reçoit aussi certaines critiques négatives, pointée du doigt pour être elle-même tombée dans certains clichés sur les personnes noires vivant dans les quartiers dits populaires. Ce qu’elle reconnait d’ailleurs quelques années plus tard.

2015. Céline Sciamma scénarise Ma vie de Courgette que tu connais peut-être ? Il s’agit d’un film d’animation adapté d’un livre et qui raconte les aventures d’un petit garçon surnommé Courgette dans un foyer pour enfants. Elle scénarise ok mais c’est à dire ? C’est à dire qu’elle écrit l’histoire pour le cinéma… et pour permettre ensuite à Claude Barras de réaliser le film (dans les films qu’elle a réalisés et qui sont ici cités, Céline Sciamma est également scénariste). 

2016. Céline Sciamma scénarise un nouveau film : Quand on a 17 ans réalisé par André Téchiné. Le film raconte une relation tumultueuse entre deux adolescents qui acceptent difficilement de voir grandir un désir entre eux.

2019. Elle écrit (donc !) et réalise son quatrième long-métrage, Portrait de la jeune fille en feu, qui vient là encore bousculer les représentations habituellement présentes dans le cinéma en racontant une histoire d’amour entre deux femmes dans une famille très aisée du 18ème siècle. Une fois de plus, et même plus encore que les précédents, le film remporte prix et éloges.

2021. Cette année là, elle co-scénarise avec Léa Mysius le film Les olympiades, réalisé par Jacques Audiard. 

Mais 2021, c’est surtout l’année de la sortie en salle de son cinquième long-métrage : Petite maman. Poétique, tendre et très touchant, il raconte l’histoire d’une petite fille qui rencontre sa maman lorsqu’elle avait son âge… Et pour ne rien changer aux bonnes habitudes, il est lui aussi sélectionné dans de nombreux festivals.

Tu l’auras compris, Pixivore aime beaucoup le cinéma de Céline Sciamma, qui est riche et puissant et qui nous offre des histoires et des représentations trop longtemps restées invisibles dans le cinéma français. 

La comédienne qui interprète Laure / Michaël dans Tomboy s’appelle Zoé Héran. Elle avait 11 ans à l’époque du film et il s’agissait alors de son tout premier rôle principal dans un long-métrage. Après avoir tourné avec Céline Sciamma, elle a continué sa carrière d’actrice.

Hasard ou coïncidence ? 🙂 Plusieurs films dans lesquels elle joue traitent aussi de questions liées au genre et/ou à l’orientation sexuelle.

Dans Comme des garçons, elle joue l’une des membres de l’équipe de foot.

Dans le court-métrage Max, elle joue l’histoire d’une jeune femme passionnée de mécanique et stagiaire dans un garage automobile. Elle a obtenu pour ce rôle le prix de la meilleure actrice dans la sélection courts métrages au Festival du film de Cabourg en 2019. 

Plus récemment, elle a joué dans le téléfilm La vie devant toi dans lequel elle interprète Violette, une adolescente homosexuelle bien dans ses baskets mais dont la vie va basculer en une soirée…

Pixivore a glané pour toi un entretien dans lequel elle s’exprime sur le film.

Au début du film, Agnès Varda se rend au Musée des beaux-arts d’Arras pour filmer la célèbre glaneuse de Jules Breton. 

Jules Breton a peint de nombreuses autres glaneuses.

Né à Courrières dans le Pas-de-Calais en 1827, il s’est académiquement formé à la peinture à Gand, Anvers puis Paris.
Il a également écrit des poésies, comme celle-ci dédiée à son village natal.

D’abord réaliste puis naturaliste, il est devenu célèbre pour ses peintures sur la paysannerie de la seconde moitié du XIXe siècle, une époque marquée par l’industrialisation et par l’exode des campagnes vers les villes. Il a notamment peint de nombreuses paysannes.

Contrairement à Jean-François Millet, dont on retrouve également les célèbres glaneuses au début du film d’Agnès Varda (cf. ci-dessous), les peintures de Jules Breton représentent les tâches paysannes dans une ambiance légère, joviale et lancinante, dressant un tableau quasi idyllique qui idéalise la vie paysanne.

Sur les toiles de Jean-François Millet, qui cherchait à peindre la vérité, se dégage au contraire une certaine noirceur et une dureté qui témoignent des conditions de travail et de vie difficiles des paysan.ne.s de l’époque. Une réalité qui n’est pas présente dans le travail de Jules Breton, qui satisfait cependant les goûts du public et des milieux académiques de l’époque.

Et toi ?
Comment trouves-tu les peintures de Jules Breton ?
Et celles de Jean-François Millet ?
Qu’évoquent chez toi toutes ces peintures ?

Agnès Varda, la réalisatrice du film Les glaneurs et la glaneuse, a toujours créé des autoportraits et des portraits. 

Ses autoportraits mêlent la photographie, la peinture, la céramique, le cinéma… Tout au long de sa carrière, elle ne cesse de se mettre en scène, avec humour ou dans une quête plus existentielle, à l’image ou à travers sa voix. En voici quelques exemples.

Ses propres portraits lui permettaient de brosser celui des autres. Souviens-toi, dans son film Les glaneurs et la glaneuse, tout en ressortant une photo de l’autoportrait du peintre Rembrandt, elle dit : “Filmer d’une main, mon autre main”.

Son projet est de faire le portrait des glaneur.euse.s, ceux et celles qui ramassent au sol, et qui le font par obligation ou par choix. Mais elle se considère aussi comme une glaneuse, puisqu’elle cherche et ramasse des images pour être une cinéaste. Il s’agit donc du portrait d’une certaine catégorie de personnes, mais aussi celui d’une cinéaste, qui se filme à travers les autres.

Agnès Varda dresse ainsi différents portraits de glaneur.euse.s, ce qui lui permet de dépeindre une société qui produit autant d’abondance que de misère. Le portrait devient un prétexte pour aborder les thèmes qui lui sont chers, tels que la marginalité et le quotidien des individus.

En 1975, Varda vit depuis 20 ans dans une rue un peu particulière à Paris et y réalise un documentaire un peu particulier. Il s’agit de la rue Daguerre. Tu as déjà entendu parlé de Daguerre ? C’est l’un des inventeurs de la photographie !

Avoue que c’est une sacrée coïncidence qu’une cinéaste photographe comme Agnès Varda ait posé ses valises dans une rue qui porte ce nom ! Elle y vécut toute sa vie !

En 1975, elle a réalisé Daguerréotypes, un portrait cinématographique des commerçant.e.s de sa rue. Boulanger.ère, parfumeur.se, coiffeur.eus, boucher.ère, plombier.ère, Varda est allée à la rencontre de tou.te.s les commerçant.e.s que le câble éléctrique de sa caméra (branché dans sa maison) lui permettait de filmer !

Elle porte attention aux gestes quotidiens de ces commerçant.e.s pour raconter une réalité  qui appartient désormais à un autre temps. Pour elle, le réel et ses individus sont des objets de poésie méritant d’être associés à l’art. Elle dit, dans Daguerréotypes : “Chaque matin, le rideau se lève au théâtre du quotidien”.

Pour finir, bien des années plus tard, en 2017, Agnès Varda fait du portrait photographique, le sujet d’un nouveau documentaire “sur la route”. Il s’agit de Visages, villages. A l’aube de ses 90 ans, il lui semblait un peu difficile de se lancer seule un tel projet. Alors, elle a fait appel à un copain, de 40 ans cadet, JR. Tu connais JR ?

Tous deux embarquent à bord d’un camion photographique, se filment l’un l’autre, et se baladent aux quatre coins de la France (notamment chez nous, dans le Pas-de-Calais), où il.elle rencontrent des gens qui leur racontent leurs souvenirs et leurs visions de la vie. Chaque rencontre donne lieu à un magnifique portrait photographique qu’il.elle collent sur les murs, dans un format gigantesque.

Varda ne s’est pas uniquement servie de la photographie et du documentaire pour réaliser des portraits, elle s’est bien entendu servie de la fiction. Pour faire le portrait de marginalité, comme dans Les glaneurs et la glaneuse, elle a réalisé Sans toit ni loi, qui raconte les dernières semaines de vie d’une jeune vagabonde retrouvée sans vie. Pour faire le portrait de la jeunesse féministe française des années 1970, elle réalise L’une chante, l’autre pas, un musical féministe. Elle a même réalisé des films qui racontent la vie ou font le portrait de personnalités célèbres, tel que Jacques Demy, réalisateur et mari de Varda, avec le documentaire-fiction Jacquot de Nantes.

En parlant de portrait et d’autoportrait, Pixivore te partage ici l’un des épisodes de la Web-série : mon collège au cinéma dans le lequel tu pourras voir tes camarades de Marquion se prêter à l’exercice de dessiner leur autoportrait !

Chantons sous la pluie n’a pas connu un grand succès lors de sa sortie dans les salles américaines en décembre 1952. Mais sa réputation a grandi au fil des années et il est maintenant considéré comme la meilleure comédie musicale hollywoodienne et l’un des meilleurs films de l’histoire du cinéma (à la dixième place selon le sondage d’une revue anglaise en 2022). Sa popularité se mesure aussi au nombre de films et de séries qui s’y réfèrent depuis 70 ans. Pixivore te propose une petite sélection de clins d’œil et de citations dans cette vidéo.

Le baron Ponceludon de Malavoy est-il l’ancêtre de Booba, « le Duc de Boulogne » ? Difficile, en voyant les duels de mots d’esprit à l’époque de Louis XVI, de ne pas penser aux battles et cyphers des rappeurs et rappeuses des 20ème et 21ème siècles.

Au cinéma, le film de référence sur les battles rap, c’est 8 Mile (2002), un film largement inspiré de la vie de son acteur principal, Eminem.

En France, les émissions sur Internet de battles (des affrontements entre MCs) et de cyphers (où les MCs se succèdent en freestyle sans idée de compétition) ont connu un regain de popularité, notamment grâce à Rentre dans le cercle, créé par Sofiane. Ici un duel fratricide et tous publics entre Big Flo et Oli.

Comme on le voit dans les extraits de Ridicule et 8 Mile, les femmes savent aussi bien que les hommes trouver les mots qui font mouche.

Comme beaucoup de films d’Hitchcock, Fenêtre sur cour a été souvent imité et parodié. Il est devenu un modèle de récit qu’on pourrait résumer ainsi : « Un personnage ne peut sortir de son appartement / de sa maison. Il passe son temps à épier ses voisins et vient à penser que l’un d’eux est un assassin. Il entraîne sa/son partenaire dans son enquête ».

La vidéo ci-dessous te présente quelques films et séries qui se sont directement inspirés de ce scénario. Le premier est le téléfilm Fenêtre sur cour : comme son titre l’indique, c’est un remake du film de 1954. Christopher Reeve, l’acteur principal qui fut Superman à quatre reprises, était réellement paralysé suite à un accident de cheval. En 2007, Paranoiak avec Shia LaBeouf est la version junior et modernisée (caméscopes et téléphones portables sont de la partie) de Fenêtre sur cour. Pretty Little Liars est produite par I. Marlene King, une grande fan d’Hitchcock. Dans sa série, pas moins de deux personnages convalescents en chaise roulante comme Jeff. Dans l’épisode « Bart des ténèbres », Les Simpson parodie brillamment le film d’Hitchcock, avec Bart dans le rôle de Jeff et Lisa dans celui de… Lisa.

Cette seconde vidéo réunit quatre autres références à Fenêtre sur cour, plutôt des clins d’œil cette fois. À toi de les repérer !

Dans Panic sur Florida Beach, il y une ÉNORME référence à Hitchcock, qui n’est autre que le réalisateur et producteur Lawrence Woosley !

Son physique, sa manière de se comporter en présentant ses films, son cigare à la bouche, son attrait pour la peur… font directement référence au très célèbre Alfred Hitchcock. D’ailleurs, tu te souviens sûrement de la scène ci-dessous où un jeune homme demande à autographe à Woosley en pensant que c’est Hitchcock 😂

Woosley aime se mettre en avant : il apparait dans ses films et on peut même voir sa silhouette en carton et son nom écrit en gros sur une pancarte publicitaire devant le cinéma ! (voir la vidéo en bas de l’article)

Cette manière de faire, certes extrapolée dans le film, est clairement empruntée à Hitchcock. Regarde par exemple les affiches de Fenêtre sur cour : le nom d’Alfred Hitchcock y est bien visible. Sur l’affiche belge, il est même écrit en aussi gros que le titre et le nom de l’acteur principal, le très populaire James Stewart. Qu’un réalisateur soit ainsi mis en avant est vraiment exceptionnel pour l’époque. Encore plus que de nos jours, le public allait voir les films avant tout pour leurs acteur.trice.s et leurs histoires.

En fait, les spectateur.trice.s connaissaient très bien le nom d’Hitchcock parce que ses films avaient du succès, de même que sa tête puisqu’il avait pris l’habitude depuis 1927 de faire une apparition de quelques secondes dans ses films. Dans les années 1950, ses apparitions (appelées cameos en anglais) étaient tellement populaires qu’Hitchcock avait décidé de les placer au début des films pour ne pas distraire les spectateur.trice.s. La vidéo ci-dessous te présente six cameos d’Hitchcock, dont celui de Fenêtre sur cour. Tu pourras admirer l’astuce trouvée pour faire un petit coucou dans Lifeboat (1944), qui se déroule intégralement sur un canot de sauvetage.

En 1955, un an après Fenêtre sur cour, Alfred Hitchcock entre dans les foyers des téléspectateurs grâce à la série télévisée Alfred Hitchcock présente. Il devient alors une silhouette familière et une marque synonyme d’histoires criminelles et d’humour noir.

Maintenant que tu en sais plus sur Alfred Hitchcock, voici 3 petits extraits de Panic sur Florida Beach dans lesquels tu devrais voir quelques références 😉